En palabras del mismo compositor, los arreglos de este trabajo musical son “contemporáneos y traen nuevos aires a este género atemporal.”

Se trata de un disco doble que salió al mercado en mayo del 2023 y ya ha conquistado palmarés en el 45º Festival de la Canción Latinoamericana de California y en el Global Music Awards 2023.

Un género romántico por excelencia

Muchísimas definiciones hay respecto al bolero que, como género musical, fue uno de los más populares de América Latina hasta mediados del siglo XX. De hecho, se mantiene en la memoria colectiva de generaciones como un repertorio entrañable y sentimental que pasa de una generación a otra.

Para Ignacio Salvatierra Palacios, quien desde 2018 ha desarrollado una prolífica carrera como compositor y productor, “es el género romántico por excelencia de todas las épocas, una música que nunca muere. En el bolero la armonía, la melodía, la poesía, la interpretación y los músicos, se integran como la piel al cuerpo. La simbiosis entre ellos es absoluta, cada quien en su espacio es vital para el resto y el equilibrio va fluyendo y se va dando de manera orgánica y natural.”

Bolereando

Inspirado en la magia del bolero, Salvatierra decidió emprender el proyecto discográfico BOLEREANDO, un disco doble, donde cantantes experimentados y voces emergentes interpretan boleros inéditos.

Entre los cantantes venezolanos que participaron en este proyecto destacan: Gualberto Ibarreto, Canelita Medina, Trina Medina, Nancy Toro, Mariolga Rodríguez y Mercedes Ríos, entre otros. Además, el compositor venezolano, contó con el apoyo de los cantantes panameños Lydia Arosemena, Luccia Herrera, Natacha Gómez, Fabio Martínez y Víctor Jaramillo entre otros.

Por su parte, los cubanos Elena Barreto y David Oquendo, así como, los españoles Juan Fernández y Pedro “Perrete” Jiménez también prestaron sus voces para interpretar los boleros de Salvatierra.

En cada tema participó un músico invitado que, con su instrumento, su virtuosismo y su improvisación creativa, dio un carácter único a cada canción.

Nuevos aires

“Soy consciente de que hoy en día la escena musical la copan el reggaeton, lo urbano, la electrónica, el pop, el Hip Hop, la fusión latina y algo de rock. El bolero ya no suena comercialmente como otrora. Sin embargo, es un género apreciado por viejos y jóvenes adultos. Por eso, nace BOLEREANDO.”, aseveró Salvatierra, quien -pensando en el género- entre el año 2015 y el 2022 escribió los temas que tomaron vida propia en esta producción realizada entre agosto de 2021 y abril del 2023.

Marco Linares y Cheo Hurtado, músicos de gran trayectoria, se sumaron a esta producción musical de 35 canciones, con arreglos contemporáneos, grabados en 5 países: Venezuela, Panamá, España, Canadá y Estados Unidos.

El resultado fue promisorio. “Nos hace muy felices que, aún antes de su lanzamiento oficial, 2 de las piezas incluidas en BOLEREANDO hayan recibido premios de gran relevancia internacional: A mi me dicen loca, interpretado por Ivis Cequea, vocalista venezolana radicada en Miami, Estados Unidos, y Sueños, cantada por una de las voces más queridas de Venezuela: Gualberto Ibarreto”, comentó.

Ambos temas fueron galardonados en el 45º Festival de la Canción Latinoamericana de California (Premio a la Excelencia para Sueños y Disco de Oro para A mi me dicen loca) y en el Global Music Awards 2023 (medalla de Plata a la Mejor vocalista femenina para Cequea y medalla de Bronce en la categoría Bolero para Sueños).

El disco está disponible en todas las plataformas de streaming musical y Los videoclips se pueden disfrutar en YouTube.

También te invitamos a leer nuestro post “Daymé Arocena”

La entrada Bolereando: La vitalidad del bolero se publicó primero en ehplustv.com.

Su imponente voz, también lo llevó a presentarse en escenarios de España, México, Italia, Cuba, Colombia y por su puesto de su natal Venezuela.

Fue uno de los cantantes más destacados que pasaron por la Orquesta Billo’s Caracas Boys. Además, realizó dúos con artistas de renombre internacional como el maestro cubano Benny Moré, “el bárbaro del ritmo”.

Musicalmente, Alfredo Sadel interpretó varios géneros de la canción latinoamericana. Pero sin duda, el bolero predominó entre los pasajes, el vals y el pasodoble.

Inicios de Alfredo Sadel

Nació el 22 de febrero de 1930 en la parroquia San Juan de la capital venezolana. Su verdadero nombre era Manuel Alfredo Sánchez Luna, pero amigos y gente del mundo de la música, le aconsejaron cambiar su nombre porque su apellido era muy común en el medio artístico. El cantante tomó entonces la primera sílaba de su apellido SA y le agregó DEL, última sílaba del apellido de su ídolo: Carlos Gardel.

Según se suele afirmar, la primera presentación de Alfredo Sadel fue en la Catedral de Caracas, donde impresionó al público, interpretando el Ave María.

Inició su formación musical a los 16 años en la Escuela Superior de Música de Caracas. Continuó sus estudios en Ciudad de México, Nueva York, Buenos Aires, Barcelona, Salzburgo y Milán. Ya era un cantante nato, sin embargo, su amplia formación lo convirtió en un experto en solfeo, piano, armonía y composición.

En 1947, Sadel se presentó en la icónica plaza de toros Nuevo Circo de Caracas, dejando a todos emocionados con su voz de tenor y su pinta de galán de cine. Vale la pena mencionar que, antes de aquella actuación, ya había ganado bastante popularidad a través de diversos programas radiales.

Pero fue luego de aquella apoteósica presentación en Nuevo Circo, que se abrieron las puertas del éxito para Alfredo Sadel. En 1951, firmó contrato con RCA Victor para grabar una producción musical en Nueva York.

Alfredo Sadel y su paso por el Cine Latinoamericano

Además de la música, Alfredo Sadel incursionó en la actuación, participando en varias películas tanto en Venezuela como en México y otros países. Entre la producciones cinematográficas que participó, destacan “Flor del campo”, “A la Habana me voy”, “El Ratón” y “Tres balas perdidas” entre otras.

El éxito de “Mi canción”

En 1955, Alfredo Sadel grabó su primer disco de larga duración titulado “Mi canción”, considerado por los críticos, una joya musical. En este trabajo se incluyen los temas “Mi canción”, de María Grever, “Traición”, de Ernesto Lecuona, “María Elena”, de Lorenzo Barcelata e “Incertidumbre”, de Gonzalo Curiel entre otros.

También se encuentran las canciones “Morena Linda”, de Rafael Hernández, “Tu retrato”, de Agustín Lara, “Frenesí”, de Alberto Domínguez, “Amor de mis amores”, de María Teresa Lara y “Desesperanza”, de María Luis Escobar.

Un par de años después de haber grabado este disco, siendo ya un consagrado artista internacional, se presentó en el programa de televisión más popular del momento en Venezuela, “el Show de las doce”. En ese entonces, Venezuela se encontraba bajo la dictadura de Marcos Pérez Jiménez y Sadel decidió interpretar “Escríbeme” un tema de Guillermo Castillo Bustamante, que era un preso político de la dictadura.

El tema fue escrito en la cárcel de Ciudad Bolívar y claramente era una bofetada a la dictadura perezjimenista. Dadas las circunstancias, luego de aquel acto que se consideró un gesto solidario, Sadel se fue del país.

La ópera de Alfredo Sadel

A partir de la década de los 60, el cantante venezolano apostó por el canto lírico y presentó La zarzuela Los gavilanes” en el teatro Nacional de Caracas.

Años más tarde, Alfredo Sadel intentó institucionalizar la ópera en Venezuela, por lo que organizó una gran temporada de presentaciones en la Universidad Central de Venezuela, que luego se extendió por todo el país.

En 1985, se mudó a Nueva York, donde realizó numerosas presentaciones. Sin embargo, se mantenía viajando a Colombia y Venezuela, donde indudablemente tenía un público que lo quería mucho.

Luego de realizar una serie de conciertos en varias ciudades colombianas y venezolanas, el destacado cantante y compositor Alfredo Sadel falleció el 28 de junio de 1989 en Caracas, Venezuela.

Sus más 2 mil canciones grabadas a lo largo de toda su trayectoria, conforman su legado musical, todavía vigente en toda Latinoamérica.

También te invitamos a leer nuestro post “Felipe Pirela, el bolerista de América”.

La entrada Recordando a Alfredo Sadel se publicó primero en ehplustv.com.

Sin duda, los ritmos afrocaribeños con su sabor particular le agregan un toque especial a los géneros musicales hispanoamericanos. Pero por supuesto, no son los únicos que conforman esta lista. Además del Caribe, el universo de la música hispanoamericana abarca parte del norte y el del centro de América. También comprende Suramérica y parte de la península ibérica.

Este post es la continuación de nuestro artículo “Géneros musicales únicos de la cultura hispanoamericana”.

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El danzón

El danzón es uno de los tantos géneros musicales y bailes nacidos en Cuba, cuya popularidad internacional se extendió por varios países latinoamericanos.  El Danzón es el resultado de la mezcla entre la contradanza europea y los ritmos de origen africano.

En sus inicios, era considerado un baile indecente por permitir una posición muy cercana entre el hombre y la mujer. Sin embargo, los prejuicios fueron quedando a un lado con el tiempo y se convirtió en el baile social más popular de Cuba. Además, este baile goza de bastante popularidad en México, donde la influencia de la cultura cubana ha ganado un importante terreno.

El bolero

Otro de los géneros musicales hispanoamericanos por excelencia es sin duda el bolero, que por cierto, también nació en Cuba. Es un género y baile romántico, que se originó en la ciudad de Santiago y se convirtió en toda una tradición asociada al amor en la cultura hispana.

Según se comenta, en el siglo XIX, los trovadores cubanos acostumbraban a viajar de pueblo en pueblo interpretando melodías para las damas que iban conociendo. De esas melodías, nació lo que hoy se llama bolero, que se hizo popular en los años 30. Gracias a la influencia del son cubano, el bolero se convirtió en música bailable y es considerado uno de los bailes más románticos de toda Hispanoamérica.

El merengue

Aunque también se baila en Cuba, el merengue no nació en Cuba. Se trata de otro de los géneros musicales hispanoamericanos más conocidos a nivel mundial que se originó en República Dominicana. Al igual que la salsa, el merengue nació de la mezcla entre la influencia de las culturas europea y africana.

Entre finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX, los esclavos africanos en República Dominicana fueron quienes le dieron forma al baile del merengue. Se dice además que, en un principio la mujer y el hombre no se abrazaban ni bailaban pegados como se hace actualmente. Cuando el baile empezó a popularizarse, el hombre se colocaba frente a la dama y ambos se tomaban de las manos para bailar con cierta distancia.

La bachata

También de República Dominicana, la bachata es uno de los géneros musicales bailables que se ha vuelto muy popular en los últimos años. Es un baile sensual, romántico y rítmico que casi siempre se baila en pareja y que cada vez gana más seguidores en toda la comunidad hispanoamericana.

Se originó en los 60 en las zonas más populares de República Dominicana. En un principio, las bachatas eran reuniones informales donde se interpretaba música romántica de guitarra. Vale la pena destacar que, musicalmente, la bachata tiene influencias del bolero, el merengue, el son y el chachachá.

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La cumbia

La cumbia es otro de los géneros musicales y bailes que se ha expandido por toda Hispanoamérica. Nació en la costa Caribe colombiana de las comunidades africanas e indígenas que habitaban en esa región. Hoy en día la cumbia es muy popular en toda América Latina, sobre todo en países como México, Perú, Ecuador, Chile, Argentina y Venezuela. Es considerado un baile tan popular como la salsa y el merengue.

En sus inicios, la cumbia era una danza al ritmo de los tambores y las claves. Mientras algunos hombres y mujeres tocaban los instrumentos musicales, otras parejas bailaban dentro de un círculo.

El vallenato

Al igual que la cumbia, el vallenato es uno de los géneros musicales autóctonos de la Costa Caribe colombiana. A lo largo de los años, el vallenato ha conquistado prácticamente toda Latinoamérica y buena parte de Europa. Uno de los principales instrumentos que le dan música al vallenato es el acordeón, el cual llegó a La Guajira colombiana a finales del siglo XIX. Según se comenta, el acordeón fue llevado por un grupo de alemanes que poblaron la zona.

Con el tiempo, los nativos adquirieron destreza con el instrumento y se convirtieron en  destacados acordeoneros que al mismo tiempo interpretaban sus propios cantos. Estos primeros acordeoneros también eran usados como correos informativos, ya que iban de pueblo en pueblo llevando información al ritmo de su instrumento y su cantar.

El joropo

El joropo es un género musical que se interpreta con el arpa, el cuatro, las maracas y el canto. Es por excelencia la música y el baile tradicional de toda Venezuela. Sin embargo, como nació en los llanos de ese país, también se conoce como música llanera. Su influencia se extiende hasta los llanos colombianos, donde también se toca, se canta y se baila joropo.

Tanto la música como el baile del joropo, representan una fiesta popular que alegra y divierte a todo el que participe. Las principales figuras de esta danza son el valsiao, el escobillao y el zapatiao.

La rumba flamenca

La rumba flamenca también conocida como rumba gitana es, por supuesto, otros de los géneros musicales y bailes que forman parte de la cultura hispanoamericana. El baile va acompañado de movimientos sensuales y coquetos con  movimientos de pelvis, caderas y hombros.

Según se comenta, la rumba flamenca nació del intercambio comercial muy activo entre los puertos de Cádiz, Sevilla y los puertos de La Habana. Comerciantes, trabajadores, toreros y cantaores viajaban de España a Cuba y de Cuba a España con frecuencia. Por lo tanto, no es sorpresa que este ritmo musical español tenga influencia de la guaracha, el son y el guaguancó.

La ranchera

Folclórica y popular, la ranchera es sin duda un género musical mexicano por excelencia, considerada además la música de los mariachis. Su popularidad se ha expandido por varios países de habla hispana gracias a los músicos que la han dado a conocer fuera de sus fronteras.

La ranchera nació de la vida rural, era el canto con el que los campesinos expresaban las dificultades de su faena. Después de la Revolución Mexicana, los campesinos comenzaron a trabajar en las principales ciudades de México a donde llevaron su canto. En la actualidad, la música ranchera trata temas relacionados con el amor, el despecho y la vida en el campo entre otros aspectos de la vida.

El tango

Según suele afirmarse, el tango nació a orillas del Río de la Plata en las ciudades portuarias de Buenos Aires, Argentina y Montevideo, Uruguay, a finales de 1800. Por lo tanto, esta música es compartida entre estos 2 países vecinos. Con el pasar de los años, el tango se ha convertido en otro de los géneros musicales y bailes hispanoamericanos más conocidos y gustados en todo el mundo. Es considerado un baile romántico y elegante.

Como ha ocurrido con la mayoría de los géneros musicales hispanos, el tango en sus inicios era visto como algo de la gente marginal. Después de la Primera Guerra Mundial, el tango se popularizó en París y luego en otras ciudades europeas. Este hecho, hizo que las clases altas de Buenos Aires y Montevideo se interesaran por su propia música.

También te invitamos a leer nuestro post “Géneros musicales únicos de la cultura hispanoamericana”.

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La entrada Géneros musicales únicos de la cultura hispana parte II se publicó primero en ehplustv.com.

Lo cierto es que, los géneros musicales hispanoamericanos son una mezcla de influencias que le agregan sabor, alegría y sentimiento a la vida. El tumbao latino caribeño, la influencia española y  musulmana así como los ritmos africanos y andinos entre otros elementos han sentado las bases de la diversidad musical hispanoamericana.

En este post, vamos a repasar algunos de los géneros musicales más conocidos de la cultura hispanoamericana.

El reggaetón

El reggaetón es uno de los ritmos musicales hispanos más populares en la actualidad. Se suele afirmar que, el reggaetón es  la versión latina del hip-hop. Sin embargo, este género aunque es urbano como el hip-hop, se mezcla con lo tropical por su condición festiva y bailable.

Existe una eterna disputa entre los que afirman que el reggaetón nació en Panamá y los que aseguran que nació en Puerto Rico. Sin embargo, la gran mayoría coincide que el reggaetón tiene su origen en Panamá en los años 80. En un principio era llamado reggae en español, debido a su influencia con el reggae jamaiquino. Uno de los primeros exponentes del reggaetón fue El General, cantante panameño de comienzo de los 90.

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La salsa

Por supuesto, la salsa no puede faltar en esta lista de géneros musicales hispanoamericanos. Sin duda, es uno de los bailes sociales latinos más conocidos mundialmente y se baila al ritmo de la música que lleva el mismo nombre.

Existen muchas teorías del origen del nombre de este género musical. Una de las más conocidas, refiere que el término de la salsa como género musical y baile se populariza en Nueva York a finales de la década de los 60. Vale la pena destacar que, la salsa es producto de la mezcla de varios ritmos de orígenes afrocaribeños. Su principal influencia es el son cubano. Pero también forman parte de la salsa el mambo, el chachachá, la guaracha y la rumba entre otros ritmos.

El son cubano

El son cubano es prácticamente el papá de la salsa. Es uno de los géneros musicales y bailes cubanos de mayor influencia en todo el mundo. Del son nació el mambo y otros ritmos afrocaribeños. Además, gracias a la influencia del son, el bolero se convirtió en música bailable.

El nacimiento del son cubano se dio de la fusión de tradiciones musicales africanas de origen Bantú con tradiciones musicales españolas. Hoy en día el son se encuentra presente en la salsa, tanto a nivel musical como a nivel bailable.  Vale la pena mencionar que, del son la salsa heredó muchos de sus pasos y movimientos de baile y el ritmo de la clave entre otros elementos.

El mambo

El mambo es otro de los géneros musicales y bailes de Cuba que ganó gran popularidad en varias partes del mundo. Su auge internacional se dio en los años 40 y 50, conquistando México, Estados Unidos y algunos países europeos.

Según se comenta, la palabra mambo significa conversación con los dioses en el idioma Kilongo, una de las tantas lenguas africanas que llegó a Cuba. Algunos historiadores también aseguran que “Mambo”, era el nombre que se le daba a un tipo de sacerdotisa en algunas tradiciones africanas. Esta sacerdotisa ayudaba a las personas a que entraran en comunión con los dioses mediante el trance del baile. De hecho, el baile del mambo que nació en Cuba heredó esta característica de trance y frenesí. Por lo tanto, desde que llegó a las pistas, el mambo fue toda una revolución de expresión que se volvió popular.

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El chachachá

Otro baile y género musical que nació en Cuba a partir de los años 50 fue el chachachá. Nació a partir del danzón, con un sonido bien bailable, pero con un ritmo más lento que el mambo. Luego que se creara la música del chachachá, los bailadores empezaron inventar pasos nuevos tomando como referencia el baile del mambo.

El nombre chachachá hace referencia a los pasos de este baile. Describe el sonido de los zapatos cuando los bailadores hacen los pasos más distintivos del chachachá: 3 pasos rápidos que se bailan en 2 tiempos. Su popularidad conquistó Estados Unidos y buena parte de América Latina. Hoy en día, el chachachá es uno de los tantos estilos que enseñan en las academias de baile.

El guaguancó

El guaguancó se origina de la rumba cubana. De hecho, es el tipo de rumba que más popularidad tiene fuera de Cuba y a su vez es la rumba de ritmo más acelerado. Además, el guaguancó es considerado un baile de seducción y conquista sexual. El hombre intenta conquistar a la dama con movimientos de pelvis y la mujer resiste y rechaza sus avances, pero también hace su baile de seducción de una manera más sutil.

En la actualidad, los movimientos del guaguancó están presentes en la gran mayoría de los bailes latinos. El movimiento de caderas y pelvis al igual que el movimiento de hombros, muy usados en la salsa y otros bailes son heredados del guaguancó.

Existen otros géneros musicales que también enriquecen la cultura hispanoamericana y de los cuales hablaremos en una segunda parte de este post. Mientras tanto, te invitamos a leer nuestro post “El antiguo arte de la payada”.

La entrada Géneros musicales únicos de la cultura hispanoamericana se publicó primero en ehplustv.com.

Cuando el fundador de Billo’s Caracas Boys, el reconocido maestro dominicano Billo Frómeta falleció en 1988, Ely Méndez se convirtió en la figura representativa de la orquesta. Para ese momento, Méndez, ya era considerado el último gran bolerista de Billo. Tras casi 5 décadas en esta icónica orquesta, el gran bolerista falleció a la edad de 75 años al perder la batalla contra el Covid-19. Tanto su legado musical como su aporte a una de las orquestas bailables más reconocidas de Venezuela, dejan una huella imborrable en la historia de la música hispana.

Inicios de Ely Méndez

El 3 de noviembre de 1945, nació en la ciudad venezolana de Barquisimeto, estado Lara, Elio Méndez García. Años más tarde, se convertiría en la eterna voz de Billo’s Caracas Boys. Pero antes de llegar a la orquesta, por ésta ya habían pasado los reconocidos Felipe Pirela y “El Puma” José Luís Rodríguez. Ambos, marcaron una época como boleristas de Billo. En 1971, en sustitución de José Luís Rodríguez, Ely Méndez se convirtió en el nuevo bolerista de la orquesta del maestro Frómeta. Allí permaneció durante casi 50 años.

De acuerdo con lo comentado por el mismo Ely en una entrevista, lo primero que Billo le dijo antes de hacerle una prueba fue “córtate el pelo”. Luego le preguntó qué canciones se sabía, a lo que Ely contestó “casi todo el repertorio”. Interpretó “Puerto Cabello” y “Mosaico N° 1”. Después de aquella prueba quedó contratado.

Cuando Méndez entró a la agrupación, lo hizo junto a los ya consagrados, Cheo García “el guarachero de América” y Memo Morales “el gitano maracucho”. Los 3 cantantes conformaron una de las etapas más relevantes de Billo’s Caracas Boys.

En el segundo semestre del 71, Ely comenzó a recorrer toda Venezuela con la orquesta. Pero su debut discográfico fue con el álbum “Billo 72” y el bolero “¿Por qué?” del compositor Román Martínez. Precisamente en “Billo 72”, Cheo García interpreta un merengue jocoso dedicado a Méndez, que para entonces era un joven de 27 años. La primera estrofa de la canción dice: “Ely Méndez es un muchacho/ que le gustan las mujeres/ se ha llevado a más de cuatro/ pero a ninguna las quiere”.

El merengue frenético y la caída del bolero

Ya para la década de los 80, el bolero estaba perdiendo su popularidad frente a los nuevos grupos de música caribeña. Además, los conjuntos dominicanos comenzaron a producir música con un merengue más acelerado, cosa que a Billo no le agradaba para nada. Para el maestro este nuevo merengue era “frenético y poco elegante”, asegurando que habían desnaturalizado la esencia de la música dominicana. Fue la época donde el reconocido director de orquesta dominicano Wilfrido Vargas, se hizo famoso en todo el universo de la música hispana.

Los intereses musicales estaban cambiando y era muy notable que, cuando Ely Méndez interpretaba un bolero en las presentaciones de Billo, el público se sentaba. Tanto para Méndez como para Billo, estaba claro que ya el público no quería bailar bolero. Por tal razón, el maestro Frómeta desempolvó viejos sones de su autoría como “Guarachando”, “Necesito una mujer” y “Al fin y al cabo” para que fueran interpretados por Ely, quien aparte de boleros comenzó a cantar sones y cha cha cha.

Los 80 años de Billo

En el año 2019, la orquesta Billo´s Caracas Boys cumplió sus 80 años de existencia y para celebrarlo se dedicó un homenaje en Caracas a Ely Méndez. Para esa ocasión, el bolerista interpretó varios de los éxitos que grabó con Billo. Vale la pena destacar que, durante su carrera musical, su voz le puso melodía a más de 120 canciones para la orquesta. Además, con Billo’s Caracas Boys, Ely tuvo la oportunidad de visitar varios países latinoamericanos y de otras partes del mundo.

En febrero del año 2021, luego de una dura batalla contra el Covid-19, el último bolerista de Billo falleció en su casa a los 75 años. Se suele afirmar que, días antes había sido atendido en la misma clínica donde murió el maestro Billo Frómeta en 1988.

En la cuenta oficial de la red social Twitter la orquesta publicó: Se nos fue el auténtico Legendario, gracias por todo ELY MÉNDEZ (1945-2021) en nombre de todos tus compañeros de La Billo’s Caracas Boys. Seguirás entre nosotros con tus recuerdos, tu alegría y ese talento único. Descansa en paz Ely!

Su legado musical se mantiene vivo en millones de hogares latinoamericanos, donde todavía se escuchan los éxitos de Billo´s Caracas Boys.

La entrada Ely Méndez, el último bolerista de Billo se publicó primero en ehplustv.com.

Entre sus logros, se encuentra un Grammy honorifico otorgado en 2014 por su destacada trayectoria artística, convirtiéndose en el primer mexicano en recibir este reconocimiento. “Esta tarde vi llover”, “Somos novios”, “Contigo aprendí” y “Voy a apagar la luz” son tan sólo algunos de los clásicos más recordados de Armando Manzanero.

Orígenes de Armando Manzanero

El 7 de diciembre de 1934, en la ciudad mexicana de Mérida, Yucatán nació Armando Manzanero, quien desde niño ya quería dedicarse a la música. Su padre, trovador y uno de los fundadores de la Orquesta Yucalpetén decidió inscribir al pequeño Armando en la  Escuela de Bellas Artes de Mérida.

A sus 15 años, puso en práctica su creatividad y compuso su primera melodía titulada “Nunca en el mundo”. Pero en medio de una difícil industria musical, su primera canción nunca salió al mercado. Lejos de desanimarse, Manzanero continuó desarrollando su talento, el cual lo llevó a trabajar en la disquera CBS Internacional como director musical.

A inicios de los 60, decide participar en el Festival de la Canción de Miami, resultando ganador al interpretar el tema “Cuando no estoy contigo”. En 1967, graba su primer álbum “Mi primera grabación” con la empresa RCA Victor. De este primer trabajo se desprenden las canciones “Voy a apagar la luz”, “¿Qué vas a hacer?”, “Me faltabas tú” y “Gracias, muchas gracias”.

A partir de ese momento, el artista mexicano comenzó a destacarse en el mercado hispano de la música, donde actualmente ocupa un puesto importante de fama internacional.  Se suele afirmar que,  a lo largo de su carrera, Manzanero grabó más de 23 discos de estudio y escribió más de 400 canciones. Además, varias películas fueron musicalizadas con el talento de este compositor mexicano. Entre sus discos más exitosos destacan: “Manzanero, su piano y su música”, “Somos novios”, “Para mí siempre amor” y “Otra vez romántico”.

Elvis Presley versionó a Armando Manzanero

Muchos han sido los artistas que realizaron versiones de los clásicos temas de Armando Manzanero. Entre ellos, destaca el rey del rock and roll Elvis Presley, quien interpretó en inglés la canción “Somos novios”, uno de los boleros más conocidos del cantante mexicano.

El título de la versión de la canción en inglés es “It’s Imposible” que en español quieres decir “Es imposible” y fue grabada a comienzos de los 70.

La confusión con la fecha de nacimiento de Manzanero

Tras el fallecimiento de este gran artista, muchos medios aseguran que Armando Manzanero nació en 1935 y tenía 85 años al momento de su partida física. Sin embargo, hay fuentes que afirman que la verdadera fecha de su nacimiento es 7 de diciembre de 1934, por lo que su edad sería 86 años.

Según suele afirmarse, el acta de nacimiento del compositor indica que éste nació en 1935. Pero el mismo Manzanero aclaró en 2015 luego de recibir un homenaje, que era un error de este documento.

Fallecimiento de Armando Manzanero

En horas de la madrugada del lunes 28 de diciembre de 2020, el reconocido cantautor mexicano murió luego de sufrir un paro cardiaco. En días anteriores, Manzanero había permanecido intubado como parte del tratamiento de recuperación, luego de resultar positivo para Covid-19.

Sin duda, el legado musical de Armando Manzanero, lo mantiene como uno de los más importantes compositores de la música romántica mexicana. Recuerda comentar tu canción favorita de Armando Manzanero en la sección de comentarios.

Además, te invitamos a leer nuestro post “Ídolos de la balada pop en español del siglo XX“.

La entrada Armando Manzanero y su balada romántica se publicó primero en ehplustv.com.

Tanto en su natal México como en toda Latinoamérica, Javier Solís es y será siempre un ídolo imborrable de la memoria colectiva de los amantes de sus interpretaciones. Algunos de los éxitos de este destacado artista mexicano son “Sombras”, “En tu pelo”, “Payaso” y “Si Dios me quita la vida”, entre tantos otros.

Junto a los también grandes cantantes Pedro Infante y Jorge Negrete, Javier Solís formaba el trío de oro de la canción popular mexicana. Título otorgado por el público a estos tres artistas, considerados los más destacados del siglo XX.

En su corta trayectoria musical, el rey del bolero ranchero, como también se le conoce, Javier Solís representó con orgullo el espíritu del hombre popular mexicano, alegre, fiestero y luchador.

Orígenes de Javier Solís

Su verdadero nombre es Gabriel Siria Levario. Nació el primero de septiembre de 1931, en el barrio Villa de Tacubaya de Ciudad de México. Fue el primero de los tres hermanos, hijos de un padre panadero una madre comerciante.

Al ser bautizado en una Iglesia cerca del barrio donde nació, los padrinos se encargaron del niño Gabriel. En noviembre de 1939, fallece su madre adoptiva y en medio de un gran dolor, el todavía infante tuvo que abandonar la escuela para ganarse la vida. Comenzó trabajando en mercados populares donde cargaba canastas a cambio de propinas.

También se dedicó un tiempo a la recolección de huesos y vidrios de la basura, por lo cual recibiría algunos centavos. Posteriormente, consiguió trabajo en una gasolinera lavando autos y después se desempeñó como despachador de cilindros o tanques de gas. Además, laboró un tiempo como panadero y carnicero entre otros tantos oficios.

Tiempo después, se inclinaría por el deporte, convirtiéndose en boxeador, llegando a destacarse en la categoría de amateur. Pero su pasión por cantar, algo que había sentido desde niño, se mantuvo intacta con el pasar de los años.

Comenzó a presentarse en lugares públicos conocidos como carpas, que eran los sitios donde la gente solía divertirse. Al poco tiempo, Manuel Garay, administrador del Teatro Salón Obrero, le ofreció la oportunidad de cantar en este sitio con el sobrenombre artístico de Javier Luquín.

El inicio de su carrera artística

Al descubrirse a sí mismo con semejante talento para el canto, comenzó a interpretar tangos, uno de sus géneros musicales favoritos. De hecho, en el Teatro Salón Obrero lo presentaban como “Javier Luquín: el genial intérprete de tangos”. Para ese entonces tenía entre 13 o 14 años y seguía trabajando como carnicero. El dueño de la carnicería, David Lara, le tenía mucho aprecio y al darse cuenta de sus habilidades vocales lo ayudó pagándole clases de solfeo con un destacado profesor de nombre Noé Quintero.

Se comenta que dicho profesor, era muy sincero con sus alumnos, aprobando a los que realmente tenían talento y desengañando a los que no. Por su  puesto, Javier estaba en el bando de los aprobados. Durante ocho meses recibió clases de manos del maestro Quintero.

En el año  1946, con 15 años formó el Dueto Guadalajara y luego el Trío Flamingo que más tarde se llamaría Trío México. Sin embargo, al poco tiempo sintió la necesidad de abrirse camino como solista. Fue entonces, cuando se aventuró a probar suerte cantando con mariachis, interpretando rancheras en la famosa Plaza Garibaldi. Posteriormente, consiguió la oportunidad de cantar en dos reconocidos bares de la época, el Tenampa y el Guadalajara de noche.

A finales de la década de los 40, recibió un contrato para presentarse por un año en el estado de Puebla. Sería su primera gira como Javier Luquín. Sin embargo, para entonces se le consideraba como un imitador de su ídolo Pedro infante, esto retrasó su reconocimiento.

Nace Javier Solís

En el año 1950, todavía usaba el nombre Javier Luquín, grabó sus primeras canciones: “Punto negro”, “Tomate esa copa”, “Virgen de barro” y “Te voy a dar mi corazón”. Los temas fueron producidos con el Trío Los Galantes, en un pequeño estudio de grabación destinado a artistas aficionados. Las grabaciones, se hicieron en discos de acetato, los cuales fueron mostrados por Javier a sus amistades.

En 1955, fue contratado para cantar en el Bar Azteca, donde su amigo Manuel Garay le sugiere cambiar su seudónimo por Javier Solís, nombre con el que lograría su fama artística internacional. Cantando en el Bar Azteca, conoce a Julito Rodríguez, guitarrista y voz principal del reconocido trío Los Panchos. Al escuchar su destacada voz, Rodríguez lo recomienda para una audición con Felipe Valdés Leal, director artístico de Discos Columbia de México.

Ya convertido en Javier Solís, firma un contrato con la disquera para grabar su primer sencillo, el cual fue todo un éxito en el interior de México. Seguidamente, produce su primer álbum, cuyo lanzamiento se retrasa por un hecho inesperado. Su ídolo, el actor y cantante Pedro infante había fallecido. El día del sepelio, Solís, subido a una cripta del cementerio, entonó la ranchera “Grito Prisionero”, para homenajear a uno de sus intérpretes favoritos.

En 1957, recibió su primer Disco de Platino por las altas ventas de su primer disco sencillo. Graba entonces su primer álbum “Javier Solís, Volumen I”. En 1958 da un paso trascendental hacia la consagración de su carrera.

Una tarde en el estudio de grabación, cuándo interpretaba “Llorarás, llorarás” dejaría atrás su inclinación a imitar a Pedro Infante. En esa ocasión Felipe Valdés Leal logró hacer surgir el estilo propio y la voz auténtica de Solis a base de consejos. A partir de entonces nació ese inimitable estilo que lo convirtió en el  inolvidable Javier Solis.  El sencillo “Llorarás, Llorarás”, que luego dio nombre al disco en 1959  lo consagró para siempre en la preferencia del público.

Giras y nuevos discos

Ese mismo año, realiza su primera gira promocional por Estados Unidos y la disquera prepara un álbum de valses de origen mexicano. El disco de nombre “Javier Solís con banda” fue grabado en los estudios de Columbia Records en Nueva York. En esta ocasión, el acompañamiento no sería con mariachis sino con una banda sinfónica conformada por músicos mexicanos y estadounidenses. Sería uno de los primeros trabajos de grabación multi-pista realizados por artistas latinoamericanos.

En 1960, Solís hace una nueva gira por Estados Unido. Esta vez, graba un álbum de boleros con acompañamiento de orquesta de estudio dirigida por su amigo, el músico estadounidense Chuck Anderson. “Javier Solís en Nueva York” fue el nombre de este trabajo musical.

En los años siguientes, el intérprete mexicano edita dos de sus discos más célebres, “Fantasía española” y “Trópico”, convirtiéndose en uno de los mejores intérpretes del reconocido compositor mexicano Agustín Lara. A partir de ese momento, la música ranchera goza de aceptación fuera de las fronteras mexicanas.

Vale la pena mencionar, que entre 1960 y 1966 incursionó en el cine filmando varias películas, siendo las más conocidas: “El norteño”, “Los bárbaros del norte” y “Los forajidos”.

En febrero de 1965 sale al mercado unos de sus mayores éxitos, su versión del sencillo “Sombras” que batió todos los récords en ventas y le otorgó una medalla por parte de su disquera, como reconocimiento por su gran calidad como cantante.

En 1966, participa en un nuevo proyecto para el cual, graba algunas de las canciones más conocidas de los compositores puertorriqueños Rafael Hernández y Pedro Flores. Sin embargo, su salud comenzaba a deteriorarse, por lo que sólo alcanzó a poner la voz a seis de las ocho pistas preparadas para el nuevo álbum.

Las esposas de Javier Solís

De este artista mexicano, se comenta que fue un joven muy tímido sobre todo con las mujeres. Esto se debía a su origen humilde, el cual siempre quiso ocultar. Sin embargo, tuvo nueve hijos producto de cinco matrimonios, casándose por primera vez a los 20 años.

En 1960, conoció a Blanca Estela Saenz, su última esposa, con la cual tuvo dos hijos: Gabriel y Gabriela.

Debido a que siempre se avergonzó de su pasado, cuando comenzó a enamorar a Blanca Estela, quien apenas tenía 17 años, inventó toda una historia, diciendo que era indígena de la tribu Yaki y por tanto, se tenían que casar según el ritual de dicha tribu: uniendo sus respectivas sangres, a lo cual Blanca Estela no puso reparo.

Partida física de Javier Solís

Luego de culminar su producción musical “Javier Solís Con Orquesta”, el cantante tuvo que ser hospitalizado, el 13 de abril de 1966, en el hospital Santa Elena de Ciudad de México para ser operado de la vesícula biliar. Se afirma, que el artista tenía piedras en su vesícula, lo que le provocaba dolores insoportables.

Luego de la cirugía, aparentemente todo salió bien y su familia sólo esperaba que le dieran el alta. Pero al parecer, debido a que se sentía muy bien, Javier desobedeció indicaciones médicas.

Como parte del tratamiento postoperatorio tenía prohibido tomar líquidos. El médico le prescribió una estricta hidratación a base de pequeñas dosis de agua que se iba derritiendo de trocitos de hielo, que debían administrarle las enfermeras. Sin embargo, en un descuido, Javier, desobedeció el tratamiento y se sirvió un vaso de agua para calmar la sed. Esto le ocasionó, horas después, un gran desequilibrio que posteriormente le ocasionaría la muerte el 19 de abril de 1966. Para entonces Javier Solís, tenía 34 años de edad.

De esa forma culminaba su maratónica carrera artística que realmente se puede concentrar en solo 10 años. Desde 1956 hasta 1966. En ese espacio de tiempo grabó más de 320 canciones. Fue protagonista en 33 películas, 10 de ellas filmadas en 1965. Hechos que lo convirtieron en uno de los intérpretes más destacados de México y Latinoamérica para el mundo.

Su muerte, fue sin duda un momento de luto para el mundo de la música. Al día siguiente, en medio de una multitud de seguidores que lamentaban su partida, fue sepultado su cuerpo en el Panteón Jardín de la capital mexicana, en el área especial donde reposan los restos de varios artistas del país azteca. Entre estos los del inolvidable Javier Solís.

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Uno de los intérpretes de bolero más recordados en la historia de la música hispana, es indudablemente Felipe Pirela: el bolerista de América. El recordado cantante venezolano se destacó por interpretar el bolero con un estilo particular que lo inmortalizó y lo convirtió en uno de los cantantes más exitosos de su época.

Para entonces, la época dorada del bolero de sonoridad romántica, que marcó a los sobresalientes intérpretes de los años 50 estaba llegando a su fin. Comenzaba a imponerse el estilo bolero-balada, cuyo principal representante para el momento era el reconocido cantautor mexicano Armando Manzanero.

Felipe Pirela, en la segunda mitad de los años 60 se consagró con un estilo que había hecho grandes en toda América a inolvidables figuras del canto popular.  Entre ellas: Pedro Infante, Lucho Gatica, Leo Marini, Daniel Santos, Alfredo Sadel y Javier Solís, entre otros no menos importantes.

Inicios desde El barrio El Empedrao

Felipe Antonio Pirela Moron nació un 4 de septiembre en el Empedrao de Maracaibo, estado Zulia. El año de su nacimiento se estima que fue 1941, pero en ocasiones se afirma que fue en 1940.

Fue el octavo hijo de Don Felipe Pirela Monsalve y Doña Lucía Morón de Pirela. “Pipito”, como lo llamaban desde niño, creció como un niño mimado y demostrando su habilidad para el canto que lo convertiría años más tardes en el bolerista de América.

El Empedrao, donde nació Felipe, es una de los barrios más populares de la ciudad de Maracaibo. De esa zona, han surgido reconocidos poetas, compositores, músicos y cantantes principalmente de la gaita zuliana.

A los 13 años de edad, forma su propia agrupación junto con dos de sus hermanos y vecinos del barrio. El grupo se llamaba “Los Happy Boys” y se presentaba en varios locales de Maracaibo, donde interpretaban los boleros del momento. De ahí nace su amor por este género musical.

Poco tiempo después, Felipe forma parte de la orquesta de Juanito Arteta. Posteriormente se integra a la orquesta Los Peniques de Jorge Beltrán.  Estando en esta, le llegaría su gran oportunidad y su vida artística cambiaría cuando el maestro, director y arreglista Billo Frómeta lo escucha cantar y se interesa en su voz.

Felipe Pirela y su etapa con Billo

Luego que Billo descubriera la voz de Felipe, se fijó una entrevista.  Se suele afirmar que cuando Billo lo entrevistó, lo primero que dijo fue: “Quiero contratarlo para que sea el bolerista de mi orquesta. Usted tiene mucho futuro, canta como los ángeles”.

En la orquesta Billo’s Caracas Boys, Felipe Pirela comienza el camino que lo lleva al éxito. Con las voces de Pirela en los boleros y del también maracucho Cheo García en las guarachas, la orquesta del maestro Billo alcanza gran renombre.  Se llegan a realizar entre 28 y 30 presentaciones al mes en Venezuela. La agrupación obtiene además gran éxito en todo el continente americano con la voz de Felipe.

Para Felipe Pirela, el éxito alcanzado con la orquesta Billo’s Caracas Boys fue indiscutible.  Como era de esperarse comenzó a recibir numerosas ofertas para que emprendiera su carrera como solista. Se comenta que Billo, ya sabía que era hora de que Pirela comenzara a volar, por lo tanto no puso mucha resistencia para que siguiera su camino a la fama.

Trayectoria como solista

En 1963, graba en México su primer álbum como solista titulado “Un Solo Camino”, que lo consagraría como “El Bolerista de América”.

Luego de editar su primer trabajo musical, Felipe de 23 años regresa a Venezuela y se casa con Mariela Montiel, quien tenía trece años de edad. Este controversial matrimonio se convertiría, un poco después, en el inicio de todos los problemas que dieron al traste con la carrera del cantante. De esa unión nacería su única hija Lennys Beatriz Pirela Montiel.

Su segunda producción discográfica “Únicamente tú”, grabada en Venezuela, termina de consagrarlo como un ídolo latinoamericano. Pero al mismo tiempo, el intérprete se sumerge en una fuerte depresión debido a las complicaciones que se fueron generando con su divorcio. Entre otras cosas, le impusieron restricciones para salir del país, lo cual afectaba su agenda profesional internacional.

Los problemas en su vida personal, hacen que Felipe abandone su país natal. Se radica un tiempo en Colombia, luego se va a República Dominicana y finalmente llega a Puerto Rico. Estando en el exilio,  sale al mercado el LP “Entre tu amor y mi amor”, con el que logra cuantiosas cifras de ventas y reconocimientos artísticos. En 1966 con su álbum “Cuando vivas conmigo” alcanza más de un millón de copias vendidas, convirtiéndose en el primer venezolano en lograr esa cifra millonaria.  Por el cual le otorgaron un disco de oro.

En 1967 realiza gira por Venezuela, Estados Unidos, Canadá y México. En este último, realiza su disco “Boleros con guitarras” con la colaboración del músico Benjamín Correa y el grupo Los Tres Caballeros.

Su carrera, sin embargo, comenzó a declinar hacia el final de la década. En 1971 se encontró en la encrucijada de volver con Billos o avanzar hacia el nuevo estilo musical que se imponía: el bolero-balada.

Asesinato

Felipe Pirela murió asesinado el 2 de julio de 1972. El hecho aconteció luego de una presentación en un local nocturno en la Isla de Puerto Rico conocido como el Molino Rojo.

Se cuenta que Pirela abandonó la tarima en medio de aplausos y ovaciones. Luego, en las primeras horas del día, en la zona de Isla Verde, calle La Rosa, recibió varios impactos de balas desde un vehículo. Todo indica que el impacto de las balas fue fulminante. Posteriormente fue llevado al hospital Presbiteriano en la ciudad de Santurce al cual ingresó sin signos vitales.

Una semana y media después, la policía de San Juan, capturó a Luis Rosado Medina un mafioso con un largo expediente policial responsable de quitarle la vida al Bolerista de América. Al parecer el cantante le debía a este sujeto un monto importante en dolares en sustancias estupefacientes.

En la actualidad, Felipe Pirela, es recordado por su poderosa voz, con la cual interpretara éxitos como “Sombras nada más”, “Frenesí” y “El Malquerido”, entre tantos otros.  Éxitos que se convirtieron en clásicos del bolero en Latinoamérica y el mundo.  Un estilo que estaba siendo desplazado por el bolero-balada con el cual se consagrarían  figuras como Nicola Di Bari, Charles Aznavour,  Nino Bravo, Raphael, Palito Ortega, Leo Dan,  Sandro y Leonardo Favio. El asesinato del Felipe Pirela el bolerista de América, frustró sus planes de incursión en ese nuevo estilo.

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