Con el pasar del tiempo, desde las primeras tallas en piedra hasta las obras contemporáneas, los escultores han transformado materiales inertes en formas que transmiten emociones, historias y cultura.

Con el propósito de rendir homenaje a estos artistas, se celebra el 6 de marzo de cada año, el Día Internacional del Escultor.

¿Por qué se dedica el 6 de marzo un día al escultor?

La iniciativa de reconocer a los escultores cada 6 de marzo tiene que ver con que esa es la fecha de nacimiento de uno de los artistas más destacados de la historia: Miguel Ángel Buonarroti. Nació un 6 de marzo de 1475 en Caprese, Roma, Italia y se convirtió en poeta, pintor, arquitecto y escultor. Entre sus obras más conocidas se encuentran El David y La Piedad, la cuales son consideradas referentes universales del arte.

Destacados Escultores latinoamericanos

Por supuesto, Latinoamérica ha sido y continúa siendo tierra natal de talentosos escultores cuyas obras han dado la vuelta al mundo.

Fernando Botero

Uno de los artistas latinoamericanos más reconocidos a nivel mundial es el colombiano Fernando Botero, pintor y escultor. Su estilo único caracterizado por figuras voluminosas y redondeadas, refleja una visión crítica y humorística de la sociedad. Entre sus obras más conocidas se encuentran El Gato, ubicado en Barcelona, España y La Mano, que se encuentra en Medellín, Colombia. Tanto sus esculturas como sus pinturas, representan el reflejo de su particular manera de ver el mundo.

Francisco Narváez

Por su parte, el venezolano Francisco Narváez es considerado uno de los escultores más importantes de Venezuela y un pionero del arte moderno en ese país. Su obra fusiona elementos indígenas y afro-descendientes con técnicas vanguardistas, utilizando materiales como la piedra, la madera y el bronce. Entre sus obras más destacadas se encuentran La Educación y La Ciencia, ubicadas en la Universidad Central de Venezuela y Las Toninas, una icónica fuente de la Plaza O’Leary en la capital venezolana. Su legado está presente en la identidad cultural venezolana y su influencia perdura en el arte latinoamericano.

Juan Soriano

Otro reconocido artista latinoamericano es el mexicano Juan Soriano, un artista multifacético, conocido tanto por su pintura como por su escultura. Conocido como El Mozart de la pintura, Soriano desarrolló un estilo único que combina elementos surrealistas y modernos. En su faceta como escultor, creó obras monumentales y expresivas, como La Paloma, ubicada en el Museo de Arte Moderno de México, y Luna, una escultura abstracta que se ha convertido en un ícono de su trabajo. Se le considera una figura clave en el arte mexicano del siglo XX.

Vale la pena mencionar que, la escultura, además de embellecer los espacios, nos conecta con nuestra historia, nuestras emociones y nuestra identidad.

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Su obsesión por el volumen nació luego de pintar una mandolina. La forma de este instrumento musical, lo impresionó tanto que, a raíz de esta pintura despertó su pasión por el volumen, las curvas y las proporciones.

Gracias a su destacado trabajo artístico, al creador del boterismo se le conoce como el más universal de los artistas colombianos, artista, que se despidió de este mundo el 15 de septiembre de 2023, a los 91 años, dejando todo un legado artístico que se puede reconocer a simple vista en varios rincones del planeta.

En este sentido, en este post repasaremos algunas de las obras más icónicas del boterismo.

Obispos muertos (1961)

Una de las obras más reconocidas del boterismo es Obispos muertos, donde el artista colombiano amontona una serie de cuerpos de obispos ataviados con sus vestiduras y atributos de poder, pero estos yacen como en una montaña, unos sobre los otros. En esta pintura Botero ironiza sobre el poder detentado en la vida y la muerte como destino final que pulveriza ese poder.

La familia presidencial (1967)

Por supuesto, La familia presidencial es otro de los trabajos más emblemáticos del boterismo y forma parte del grupo de obras de las personalidades políticas. En esta pintura Botero representa la familia presidencial. Además de aparecer una familia con privilegios, a la izquierda del cuadro, tras un lienzo cuyo contenido se oculta al espectador, se encuentra el mismo Botero pintando la escena.

Torso de mujer (1986)

Popularmente conocida como La gorda, la escultura Torso de mujer, ubicada en el centro de Medellín, Colombia, también forma parte de las obras más icónicas de Botero. La escultura le da la espalda a la sede del Banco de la República y el frente al Parque de Berrío. En 1994, el artista colombiano inauguró en Buenos Aires, Argentina, Torso, que en este caso se trata de un torso masculino y una de las esculturas que más llama la atención de los turistas.

El Gato (1987)

Ubicada en Barcelona, España, El gato, no escapa de la exageración del volumen que caracteriza a Fernando Botero. Esta escultura muestra a un gato gigante que asombra con su cara gorda y juguetona. Precisamente su apariencia, hace de esta obra, una de las más reconocidas del boterismo. El gato esta hecho de bronce y mide 7 metros de largo por 2 de alto y 2 de ancho.

La muerte de Pablo Escobar (1999)

Esta pintura muestra el momento en que el reconocido narcotraficante colombiano fue abatido por una ráfaga de balas. En 2006, Botero inauguró Pablo Escobar muerto, otro cuadro del narcotraficante, donde se observa el cuerpo sin vida de Escobar sobre el techo donde lo asesinaron.

La Bailarina en la barra (2001)

Además de figuras voluminosas, Botero pintaba con frecuencia escenas de gente bailando. Tal es el caso del cuadro Bailarina en la barra, donde el artista muestra a una bailarina que posa con una pierna y un brazo en posición vertical en la barra de ballet. Según se suele afirmar, el cuadro es una crítica sobre la expectativa social de que las mujeres sean delgadas, especialmente en la industria de la danza tradicional. Sin embargo, la bailarina gorda de Botero parece confiada y fuerte.

Hombre a caballo (2004)

En plena la plaza Botero de Medellín, se encuentra la escultura Hombre a caballo. Como su nombre indica, esta obra representa un hombre montando un caballo mientras ve hacia un lado. Evidentemente, esta escultura forma parte de las más reconocidas del boterismo.

Estas son tan solo algunas de las obras más icónicas del boterismo, estilo que se le atribuye a Fernando Botero por ser uno de los pocos artistas que logró consolidar una forma peculiar de hacer arte.

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Su estilo es reconocido en todo el mundo por los personajes con sobrepeso de sus pinturas y esculturas. Desde hace muchos años, Botero se ha dedicado a pintar, esculpir y dibujar figuras con un notable aumento del tamaño corporal y los lados redondeados. Esta particularidad ha hecho que sus obras sean un ícono del arte universal, algo que pocos artistas han logrado a lo largo de la historia.

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Orígenes de Botero

Fernando Botero Angulo, nació el 19 de abril del 1932 en Medellín, Colombia. Comenzó a desenvolverse en el mundo artístico en 1948 como ilustrador del periódico El Colombiano. Ese mismo año, participó en su primera exposición conjunta “Exposición de Pintores Antioqueños” realizada en Medellín.

En un principio, sus pinturas de retratos, paisajes y escenas se inspiraron en el arte colonial precolombino y europeo. Además, encontró inspiración en el muralismo mexicano. Con el pasar de los años, su estilo se fue transformando y poco a poco las figuras se volvieron más exageradas. Nació entonces lo que hoy se conoce como el boterismo.

Su obsesión por el volumen

A simple vista, el trabajo artístico de Botero, indica que sus figuras son personajes que consideraríamos gordos u obesos. Sin embargo, el artista colombiano ha aclarado en varias ocasiones, que sus figuras resaltan la forma natural del cuerpo, las curvas y la sensualidad. En palabras del mismo Botero: no pinta “gordos” sino cuerpos en los que se destaque el volumen natural del cuerpo. Además, insiste que él busca resaltar figuras voluminosas que muestren la monumentalidad de los objetos y las personas.

Vale la pena destacar que, la obsesión de botero por las figuras voluminosas nació luego de pintar una mandolina. Era la primera vez que el artista pintaba este instrumento musical, que lo impresionó por su particular forma. Fue precisamente la pintura de esta mandolina lo que despertó su pasión por el volumen, las curvas y las proporciones.

Su boterismo no solo aplica para personas, ya que también pinta objetos con las curvas aumentadas y los bordes redondeados.

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La importancia del boterismo

Como ya habíamos comentado anteriormente, muy pocos artistas han logrado crear un estilo tan icónico como lo ha hecho Botero. Gracias precisamente a ese estilo tan personal de sus cuadros nació el Boterismo.

Desde la década de los 80, su obra artística ha estado presente en importantes galerías del mundo. Ciudades como Caracas, Ciudad de México, Paris, Barcelona, Londres, Tokio y Dubai entre muchas otras han exhibido sus trabajos.

Al igual que sus pinturas, sus esculturas se encuentran en varios rincones del planeta. Por lo general, las esculturas de botero que embellecen los lugares donde se ubican son figuras femeninas, que resaltan la maternidad y la sensualidad en su forma particular.

De igual forma, con su boterismo, el artista ha versionado obras famosas de reconocidos pintores mundiales. Un ejemplo de ello es “Mona Lisa a los 12 años” Una imitación de la Gioconda original de Leonardo Da Vinci, en la cual Botero presta especial atención a los detalles para tratar de mantenerla lo más similar a la original posible.

Algunas de sus pinturas más famosas son: “Obispos muertos”, “La muerte de Pablo Escobar” y “Bodegón con Sandía”.

Sin dudas, Fernando Botero es hoy en día uno de los pintores vivos más destacados de la historia, cuyo estilo personal impresiona a los amantes del arte de todas las generaciones. A través de sus figuras voluminosas, Botero trata la cotidianidad, la crítica social, la historia del arte y la religiosidad. Pero además, en sus obras de arte están presentes la ironía, el gigantismo, el humor, la proyección de una realidad diferente, la inocencia y la sátira.

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