Nació un 6 de febrero de 1945 en una pequeña localidad rural de Jamaica, llamada Nine Mile. Su nombre completo era Robert Nesta Marley y desde muy niño estuvo envuelto en un ambiente de música y espiritualidad.

Día de Bob Marley

Con motivo de la fecha de su nacimiento, cada 6 de febrero, en Jamaica y en casi todo el mundo se celebra el Día de Bob Marley. Por supuesto, no solo se trata de un homenaje a su nacimiento, sino también una celebración de su legado musical y su mensaje de unidad y amor.

Para nadie es un secreto que, sus canciones, además de relajantes, son alegres y tienen un alto contenido de conciencia social, política y racial.

En Jamaica, se suelen hacer conciertos y festivales de reggae el Día de Bob Marley.

Música y mensaje

El artista jamaiquino comenzó su carrera musical en los años 60 con el grupo The Wailers, junto a Peter Tosh y Bunny Wailer. Para muchos amantes del género, Marley, Tosh y Wailer llevaron el reggae a nuevos horizontes, fusionando ritmos típicos de Jamaica con letras profundas y llenas de significado. Canciones como No Woman No Cry, Redemption Song y One Love se convirtieron en himnos universales del reggae.

En los años 70, Bob Marley se consolidó como artista internacional con álbumes como Catch a Fire y Exodus. Su música fue considerada pegajosa y su mensaje poderoso. La lucha contra la opresión, la búsqueda de la libertad y la importancia del amor como fuerza transformadora, son temas que están inmersos en sus canciones. Asimismo, habló de la injusticia social, la pobreza y la necesidad de un cambio.

El Movimiento Rastafari

El Movimiento Rastafari influyó de manera significativa en su música y su estilo de vida. De hecho, para Marley, el reggae, más que un género musical, era una herramienta para difundir un mensaje de paz y resistencia. En este sentido, fue considerado el representante del Rastafarismo.

Vale la pena mencionar que, el Movimiento Rastafari es considerado una corriente de carácter espiritual y religiosa que surgió de las zonas más marginadas de Jamaica en los años 30. Su principal propósito es mantenerse en un camino correcto y sincero, en donde impere la hermandad, la bondad y la camaradería. Por lo general, las personas rastafari o rastas usan deadlocks, es decir, cabello enredado o tejido.

Datos curiosos

Entre las tantas curiosidades que se destacan de este artista jamaiquino, se suele afirmar que, era capaz de hacer predicciones al leer la palma de las personas, cuando era un niño.

De igual forma, se dice que, durante su niñez y adolescencia fue objeto de burlas y acosos, por ser un mulato (hijo de madre afroamericana y padre caucásico).

Además de la guitarra, tocaba otros instrumentos musicales como el piano, el saxofón, la armónica y otros instrumentos de percusión.

Su álbum Legend fue la producción discográfica de reggae más vendida de la historia en todo el mundo, con más de 28 millones de copias. Ganó 15 discos de platino en Estados Unidos.

Entre sus deportes favoritos se encuentran el fútbol y el ping pong.

Era conocido por su apodo Tuff Gong, debido a su fuerza física, referida a una piedra volcánica. Este era el nombre de su sello discográfico.

Fue enterrado con su guitarra Gibson Les Paul, una biblia, una flor de marihuana y un balón de fútbol.

El legado de Bob Marley

Bob Marley falleció el 11 de mayo de 1981 a los 36 años, dejando un legado musical viviente, que inspira a nuevas generaciones. Su mensaje de amor y justicia sigue siendo relevante en todo el mundo.

Asimismo, Marley, sigue siendo considerado uno de los máximos exponentes del reggae de todos los tiempos.

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La entrada Bob Marley: El Eterno Rey del Reggae se publicó primero en ehplustv.com.

Según se suele afirmar, el cantautor argentino logró vender más de 40 millones de discos y se hizo merecedor de numerosos premios, galardones, reconocimientos, discos de oro y un Grammy Latino.

Sin embargo, muchos críticos musicales consideran que parte de su gran éxito se debió a que Leo Dan era autor de los temas que interpretaba. Su música, de temática sencilla y casi siempre romántica conquistó todo el universo hispano de la música.

Orígenes de Leo Dan

Leopoldo Dante Tévez, mejor conocido como Leo Dan, nació el 22 de marzo de 1942 en el norte de Argentina, específicamente en la Villa Atamisqui, Santiago del Estero. Desde muy niño sacó a flote su interés por la música y el canto.

En 1962, a sus 20 años de edad, abandonó Santiago del Estero y se fue a Buenos Aires persiguiendo sus sueños. Para ese entonces, Leopoldo Dante ejecutaba bien la flauta y la guitarra. Por esa época, estaba naciendo tanto en Argentina como Latinoamérica la denominada Nueva Ola, una influencia musical basada en el rock and roll.

Con guitarra en mano, al artista comenzó a recorrer disqueras por Buenos Aires. Según se suele afirmar, apenas lo escucharon interpretar su tema Celia en el sello CBS, los productores quedaron impresionados. Fue el tema que le abrió las puertas de la radio y la televisión.

Ritmo y juventud

Entre principios y mediados de los 60 salieron al aire los programas televisivo Ritmo y juventud y El Club del Clan, a través de los cuales aparecieron jóvenes que posteriormente se convirtieron en destacados cantantes. Violeta Rivas, Palito Ortega, Roberto Sánchez, Sandro, Leonardo Favio y por supuesto Leo Dan, entre muchos otros, son algunas de las figuras que saltaron a la fama por aquella época.

Vale la pena mencionar que, Leo ya había incursionado en el folclore y en el rock and roll, antes de viajar a Buenos Aire, por lo que su talento ya era conocido en Santiago del Estero. De hecho, gracias a su talento, llegó a tener su propio programa de televisión titulado Bajo el signo de Leo.

A parte de Celia, otros temas de este cantautor argentino son: Mary es mi amor, Te he prometido, Cómo te extraño mi amor, Por un caminito, Santiago querido, Esa pared, Cómo poder saber que te amo y Te pido que me guíes entre muchos otros.

En 1966 contrajo matrimonio y se fue con su esposa a España, donde continuó componiendo y grabando. En 1970 se residenció en México, país donde consolidó su carrera y se convirtió en un gran vendedor de discos.

Leo Dan en el cine

Además de su indiscutible talento musical, Leo Dan tenía otras cualidades artísticas que le permitieron incursionar en el cine. En 1965, en Argentina, se estrenó la película Santiago querido, que hacía alusión a Santiago del Estero. Un año más tarde, salió el film Cómo te extraño, mi amor, una comedia argentina de la década de los 60. Posteriormente, surgieron los trabajos cinematográficos: La muchachada de a bordo y Por un caminito.

Su partida física

Como mencionamos al principio de este post, el miércoles 1 de enero del 2025 se conoció la lamentable noticia de la partida física de Leo Dan a los 82 años; noticia que sin duda enlutó al mundo de la música. Vale la pena de mencionar que, poco antes de fallecer, Leo agradeció a sus seguidores por todas las alegrías que recibió en el 2024.

Su legado musical se compone por una cantidad de canciones que conquistaron a varias generaciones y lo consolidaron como uno de los cantautores más destacados de América Latina y el mundo.

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La entrada El legado del cantautor argentino Leo Dan se publicó primero en ehplustv.com.

Su música, también se considera poesía, una poesía dedicada a las causas de los oprimidos y los más necesitados. Por lo tanto, no resulta para nada extraño, que Alí Primera sea recordado por defender la justicia social a través de sus canciones.

Su trabajo musical inspiró e inspira todavía, consignas políticas. Pero más allá del uso político que se le da a sus canciones, su legado musical es hoy en día, un tesoro cultural incalculable.

Los primeros años de Alí Primera

Bautizado como Ely Rafael Primera Rosell, el reconocido cantor popular, nació el 31 de octubre de 1941, en la ciudad venezolana de Coro, estado Falcón. A los 3 años de edad, quedó huérfano de padre. Junto a su madre y hermanos, atravesaron momentos difíciles, viviendo en condiciones de pobreza.

Sin embargo, a medida que iba creciendo, Alí, aprendió y desempeñó varios oficios que sirvieron para ayudar a su familia. A los 6 años era limpiabotas y tiempo después fue boxeador.

A pesar de trabajar duro para sacar a su familia adelante, no descuidó ni sus estudios ni su pasión por la música. De hecho, se convirtió en uno de los más grandes cantores, poetas y activistas políticos tanto de Venezuela como de Latinoamérica.

En la década de los 60, se mudó a Caracas, la capital de Venezuela, donde terminó sus estudios de bachillerato. En 1964, comenzó a estudiar química en la Universidad Central de Venezuela y paralelamente inició su carrera como cantante y compositor.

Entre comienzos de los 70 y mediados de los 80, Alí Primera se dedicó a componer canciones y produjo más 15 discos que forman parte del cancionero venezolano y latinoamericano.  Durante toda su carrera, su música fue vetada por gran parte de los medios de comunicación y los gobiernos de turno en Venezuela. Sin embargo, sus canciones llegaron a lo más profundo del corazón del pueblo venezolano.

Entre sus canciones más conocidas destacan: Techos de cartón, Mama pancha, Abrebrecha y La piel de mi niña huele a caramelo entre  muchas otras.

Vida familiar

En 1977, en el festival Los Venezolanos Primero que se realizó en la ciudad de Barquisimeto, conoció a Sol Musset, quien había ganado el concurso La Voz Liceísta. Con Sol, Alí tuvo 4 hijos, los cuales son todos cantantes: Sandino, Servando, Florentino y Juan Simón. Por supuesto, Servando y Florentino son los más reconocidos internacionalmente.

Además, en un viaje a Suecia, Alí tuvo 2 hijas con Taria Osenius: María Fernanda y María Ángela. También tuvo otro hijo de nombre Jorge con la venezolana Noelia Pérez.

La música de Alí Primera

En 1969, Alí Primera viajó a Europa para cursar estudios de Tecnología del Petróleo en Rumanía. Durante los años que estuvo en el viejo continente, lavaba platos y cantaba en algunos sitios para ganarse la vida. A comienzos de la década de los 70, en un estudio en Alemania grabó el disco De una vez.

Las canciones de este trabajo musical expresan el sufrimiento de un pueblo que vive en pobreza y desigualdad social. Rápidamente, su música se sembró en el sentir de la gente y se convirtió en el cantor del pueblo.

En 1973, regresó a Venezuela y se dedicó a la música y a la lucha política. Según suele afirmarse, Alí, no terminó sus estudios en Europa, ya que había decidido no dedicarle su vida a las compañías petroleras.

Por esos años, ya se había ganado el corazón de los más necesitados. Sin embargo, fue vetado por buena parte de los medios de comunicación y el gobierno de turno en Venezuela, debido al mensaje protestante de sus canciones. Por lo tanto, creó Cigarrón, su propio sello disquero. Asimismo, se alió con la compañía discográfica Promus.

Hasta mediados de los 80, la voz de Alí se escuchó en diversos festivales por toda América Latina. Además, se presentó en fábricas, liceos, sindicatos y con mucha frecuencia en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela.

Fallecimiento

El 16 de febrero de 1985, a sus 44 años de edad, en un accidente automovilístico en una reconocida autopista de Caracas, falleció el cantor del pueblo. Según se comenta, el cantautor popular, acababa de salir de una sesión de grabación, cuando ocurrió el accidente

Para muchos de sus seguidores, más que tratarse de un accidente, la muerte de Alí Primera fue un atentando en su contra, orquestado por sus enemigos políticos. Sin embargo, este hecho nunca se ha esclarecido.

Película Alí Primera

39 años después de su muerte, se estrena el largometraje Alí Primera, dirigido por el cineasta venezolano Daniel Yegres. De acuerdo con una nota de prensa, a partir de este 31 de octubre, la película se puede ver en todos los circuitos de cine de Venezuela.

El film narra la apasionante vida del cantor del pueblo, con historias poco conocidas y con una estructura de saltos temporales, donde se muestran los hechos, los amores, las alegrías y tragedias que forjaron a Alí como cantor y también como luchador por las causas del pueblo.

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En un principio, como ha ocurrido con muchos géneros musicales, el reggae nació siendo una expresión de las comunidades marginadas de Jamaica, sobre todo de Kingston, capital de ese país caribeño.

A lo largo de los años, este género musical se ha popularizado en todo el mundo y en todas las clases sociales con letras que hablan sobre la resistencia, el llamado a la justicia, el amor y la amistad.

Cantantes jamaiquinos como Bob Marley, considerado el rey del reggae, Bunny Wailer, Peter Tosh y Jymmy Cliff, entre otros, son considerados leyendas de este tipo de música caribeña.

Con el propósito de reivindicar este género musical, el primero de julio de cada año se celebra  el Día Internacional del Reggae, considerado como el regalo que Jamaica le dio al mundo.

Historia del Día Internacional del Reggae

1994 fue el año en el que se le dedicó por primera vez un día al Reggae, con el fin de rendir honores a las raíces de este género musical a través de las emisoras jamaiquinas. En este sentido, además del reggae se le dio cobertura a otros estilos de música de Jamaica como el Mento, el Ska, el Rocksteady, el Dub y el Dancehall.

Con el pasar de los años, lo que comenzó como una fiesta local se convirtió en una celebración universal. De tal manera que, hoy en día se busca potenciar el poder inspirador de la música reggae en todo el mundo a través del Día Internacional del Reggae.

Vale la pena destacar que, el 29 de noviembre del 2018, la UNESCO declaró a este tipo de música como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.

Cultura Profética

El reggae en español o reggae latino es uno de los estilos de música más populares en todo el mundo. Esto es gracias a agrupaciones reggae que han surgido en toda Latinoamérica y el caribe. Tal es el caso de la banda puertorriqueña Cultura profética, indudablemente un referente del reggae en español. Son reconocidos por canciones como Ilegal, Complicidad y Prense y Sorprende.

Los Cafres

De igual forma, Los Cafres de Argentina son otra reconocida banda de este género en Latinoamérica. De hecho, según se suele afirmar, es la primera banda en cantar roots reggae en español. Entre sus canciones más conocidas destacan: Tus ojos, Momentos y Si el amor se cae.

Gondwana

Por su parte Gondwana, de Chile, es otra legendaria banda, que con su música lleva mensajes positivos, de reivindicación y buena vibra. Temas como Felicidad, Sentimiento Original y Dime, forman parte del cancionero latinoamericano de reggae.

PapaShanty Sound System

Asimismo, Papashanty Sound System de Venezuela es una reconocida banda de reggae, que también interpreta ska, hip hop y danceholl entre otros géneros musicales. Música de Paz es una de las canciones más conocidas de esta agrupación.

Los Rastrillos

Los Rastrillos es un grupo mexicano, considerado pionero de este género musical en México. Balu, Luces y Positivo son algunas de las canciones más conocidas de esta agrupación.

Estas son tan solo algunas de las agrupaciones más conocidas de reggae en español. Por supuesto, existen muchísimas otras, de las cuales estaremos hablando en otra oportunidad.

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Nació el 4 de septiembre de 1921 en Santa Fe, Argentina y una de sus obras maestras más reconocidas es el clásico La misa criolla. Además, Ariel Ramírez es reconocido por piezas magistrales como Mujeres argentinas y Navidad nuestra.

Sin duda, una figura musical de extensa trayectoria que a través de su discografía difundió la cultura tradicional argentina. Asimismo, fue presidente de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música SADAIC en varios periodos.

Comienzos de Ariel Ramírez

Estudió piano en su natal Santa Fe y luego se fue a Buenos Aires para tomar clases de composición con el director de orquesta Luis Gianneo y el musicólogo germano-argentino Erwin Leuchter.

A comienzos de los años 40 se hizo amigo del reconocido cantautor Atahualpa Yupanqui, quien lo motivó a recorrer varias provincias de Argentina para familiarizarse con la música regional. Durante esos años ofreció recitales de piano, en los que interpretaba música tradicional argentina y suramericana. Además, aprovechó aquellos recitales para dar a conocer sus primeras composiciones.

En 1943 realizó varios conciertos y consiguió un contrato permanente en Radio El Mundo. 3 años más tarde, debido a la fama que había adquirido grabó sus primeros discos con RCA Victor. De estos primeros trabajos se desprende la samba La tristecita, con la cual Ariel Ramírez ganó mayor popularidad.

De gira por Europa

En 1950 realizó un viaje a Europa, donde estaría 4 años ofreciendo conciertos de música popular argentina en distintos teatros de Italia, Austria, Alemania, Holanda, Bélgica e Inglaterra. Por otro lado, en España fue becado por el Instituto de Cultura Hispánica para efectuar estudios sobre la música española de transmisión oral.

Compañía de Folklore Ariel Ramírez

Luego de su gira europea, el ya reconocido músico argentino, viajo a Perú para realizar conciertos en distintas ciudades de ese país. Además, llevó su música a varios escenarios de Bolivia, Chile y Uruguay.

En 1955 regresó a Argentina y organizó la Compañía de Folklore Ariel Ramírez. A través de este proyecto, el pianista preparó un espectáculo coreográfico musical con artistas de varias regiones de ese país. Vale la pena mencionar que, la compañía desarrolló su actividad durante más de 20 años por todo el territorio argentino.

Posteriormente, Ariel continuó ofreciendo giras y presentaciones dentro y fuera de Argentina, pero ya con menor frecuencia que en épocas anteriores.

La misa criolla

Como ya habíamos comentado al principio de este post La misa criolla es una de sus piezas musicales más importantes. Se trata de una de las obras más aclamadas y difundidas mundialmente de Ariel Ramírez. La composición fue realizada en base al texto castellano redactado por la Comisión de las Iglesias de América Latina.

La misa criolla consta de 5 partes de la liturgia común: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei. La composición está basada en ritmos de origen folclórico argentino, así como, ritmos bolivianos y peruanos. En su primera versión contó con las voces del grupo Los Fronterizos.

Alfonsina y el mar

Otra de las piezas musicales más conocidas de Ariel Ramírez es Alfonsina y el mar, una canción muy popular en todo el mundo hispanoparlante, que ha sido interpretada por cantantes de gran renombre. Fue compuesta por Ariel Ramírez y escrita por Félix Luna. Se publicó por primera vez en 1969, en Mujeres argentinas, disco de la reconocida cantante Mercedes Sosa.

La canción es un homenaje a la poetisa argentina Alfonsina Storni, quien se suicidó en 1938 en Mar del Plata. Según la letra de la canción, Alfonsina fue entrando lentamente al mar. Sin embargo, se suele afirmar que, la poetisa saltó al agua desde un muelle.

Legado de Ariel Ramírez

Luego de una amplia trayectoria de éxito musical, el reconocido pianista Ariel Ramírez falleció en Monte Grande, Argentina, el 18 de febrero de 2010, a la edad de 88 años. Su legado musical es indudablemente un referente de la música tradicional argentina y la música folclórica suramericana.

La entrada Ariel Ramírez para recordar se publicó primero en ehplustv.com.

Para el rodaje en las afueras de Miami, Alex Galán utilizó tecnología e iluminación de última generación. Por su parte, el maestro Gilberto Ferrer realizó la producción musical con armonías perfectas, acompañado por los músicos de su banda, entre los que destaca el guitarrista Frank Arismendi. En este sentido, Jesús Fuenmayor encabezó el despliegue técnico de la producción audiovisual.

Rommel hace gala de su impecable voz

Rommel Rodríguez, quién es el invitado en esta primera edición de homenajes en el formato Invitados by Gilberto Ferrer, asegura que este es un peldaño más en su carrera y un sueño cumplido, pues se siente muy feliz y honrado de haber sido invitado por Gilberto Ferrer y Jesús David Fuenmayor en este proyecto que le permitirá tener una nueva proyección y una nueva faceta en su carrera artística.

Sin duda, el equipo que conforman Jesús David Fuenmayor junto al maestro Gilberto Ferrer y Alex Galán, sigue rompiendo estereotipos en la producción audiovisual latina en Miami, logrando joyas musicales como esta que ya está disponible en todas las plataformas digitales musicales y el canal de YouTube de Gilberto Ferrer.

También te invitamos a leer nuestro post “Recordando a Alfredo Sadel”.

La entrada Rommel Rodríguez rinde homenaje a Camilo Sesto se publicó primero en ehplustv.com.

Su imponente voz, también lo llevó a presentarse en escenarios de España, México, Italia, Cuba, Colombia y por su puesto de su natal Venezuela.

Fue uno de los cantantes más destacados que pasaron por la Orquesta Billo’s Caracas Boys. Además, realizó dúos con artistas de renombre internacional como el maestro cubano Benny Moré, “el bárbaro del ritmo”.

Musicalmente, Alfredo Sadel interpretó varios géneros de la canción latinoamericana. Pero sin duda, el bolero predominó entre los pasajes, el vals y el pasodoble.

Inicios de Alfredo Sadel

Nació el 22 de febrero de 1930 en la parroquia San Juan de la capital venezolana. Su verdadero nombre era Manuel Alfredo Sánchez Luna, pero amigos y gente del mundo de la música, le aconsejaron cambiar su nombre porque su apellido era muy común en el medio artístico. El cantante tomó entonces la primera sílaba de su apellido SA y le agregó DEL, última sílaba del apellido de su ídolo: Carlos Gardel.

Según se suele afirmar, la primera presentación de Alfredo Sadel fue en la Catedral de Caracas, donde impresionó al público, interpretando el Ave María.

Inició su formación musical a los 16 años en la Escuela Superior de Música de Caracas. Continuó sus estudios en Ciudad de México, Nueva York, Buenos Aires, Barcelona, Salzburgo y Milán. Ya era un cantante nato, sin embargo, su amplia formación lo convirtió en un experto en solfeo, piano, armonía y composición.

En 1947, Sadel se presentó en la icónica plaza de toros Nuevo Circo de Caracas, dejando a todos emocionados con su voz de tenor y su pinta de galán de cine. Vale la pena mencionar que, antes de aquella actuación, ya había ganado bastante popularidad a través de diversos programas radiales.

Pero fue luego de aquella apoteósica presentación en Nuevo Circo, que se abrieron las puertas del éxito para Alfredo Sadel. En 1951, firmó contrato con RCA Victor para grabar una producción musical en Nueva York.

Alfredo Sadel y su paso por el Cine Latinoamericano

Además de la música, Alfredo Sadel incursionó en la actuación, participando en varias películas tanto en Venezuela como en México y otros países. Entre la producciones cinematográficas que participó, destacan “Flor del campo”, “A la Habana me voy”, “El Ratón” y “Tres balas perdidas” entre otras.

El éxito de “Mi canción”

En 1955, Alfredo Sadel grabó su primer disco de larga duración titulado “Mi canción”, considerado por los críticos, una joya musical. En este trabajo se incluyen los temas “Mi canción”, de María Grever, “Traición”, de Ernesto Lecuona, “María Elena”, de Lorenzo Barcelata e “Incertidumbre”, de Gonzalo Curiel entre otros.

También se encuentran las canciones “Morena Linda”, de Rafael Hernández, “Tu retrato”, de Agustín Lara, “Frenesí”, de Alberto Domínguez, “Amor de mis amores”, de María Teresa Lara y “Desesperanza”, de María Luis Escobar.

Un par de años después de haber grabado este disco, siendo ya un consagrado artista internacional, se presentó en el programa de televisión más popular del momento en Venezuela, “el Show de las doce”. En ese entonces, Venezuela se encontraba bajo la dictadura de Marcos Pérez Jiménez y Sadel decidió interpretar “Escríbeme” un tema de Guillermo Castillo Bustamante, que era un preso político de la dictadura.

El tema fue escrito en la cárcel de Ciudad Bolívar y claramente era una bofetada a la dictadura perezjimenista. Dadas las circunstancias, luego de aquel acto que se consideró un gesto solidario, Sadel se fue del país.

La ópera de Alfredo Sadel

A partir de la década de los 60, el cantante venezolano apostó por el canto lírico y presentó La zarzuela Los gavilanes” en el teatro Nacional de Caracas.

Años más tarde, Alfredo Sadel intentó institucionalizar la ópera en Venezuela, por lo que organizó una gran temporada de presentaciones en la Universidad Central de Venezuela, que luego se extendió por todo el país.

En 1985, se mudó a Nueva York, donde realizó numerosas presentaciones. Sin embargo, se mantenía viajando a Colombia y Venezuela, donde indudablemente tenía un público que lo quería mucho.

Luego de realizar una serie de conciertos en varias ciudades colombianas y venezolanas, el destacado cantante y compositor Alfredo Sadel falleció el 28 de junio de 1989 en Caracas, Venezuela.

Sus más 2 mil canciones grabadas a lo largo de toda su trayectoria, conforman su legado musical, todavía vigente en toda Latinoamérica.

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Es muy común escucharla en casi todos los países de Centroamérica y el sur de México. De hecho, en Guatemala y Costa Rica, la marimba es considerada uno los símbolos nacionales de esos países. Pero además, la marimba es muy popular en el lote de la costa del Pacífico que comparten Colombia y Ecuador y en algunas partes de Perú, entre otros países.

También hay que resaltar que, al son de la marimba se interpretan diversos géneros musicales, ritmos y bailes. Entre México y Guatemala por ejemplo, son comunes los sones chiapanecos, los valses, el paso doble, la música Ranchera y la norteña entre otros géneros. Del mismo modo, la música clásica, el pop, el jazz y hasta el rock clásico en ocasiones son interpretados con marimba.

Por su parte, en Ecuador y Colombia, las comunidades afrodescendientes de la costa pacífica se visten con trajes coloridos para danzar al son de la marimba.

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Origen

Debido a que es un instrumento, prácticamente milenario, el origen de la marimba es desconocido. Sin embargo muchos lo atribuyen al continente africano. Para algunos marimberos e historiadores, los esclavos que fueron forzados a venir a América trajeron consigo instrumentos con teclas de madera.

Posteriormente, los amerindios transformaron esos instrumentos con cajas de resonancia, hechas de tubos de bambú o de calabazas. Otras teorías, sitúan el origen de la marimba en Indonesia y en el Amazonas.

La marimba Patrimonio Cultural de las Américas

A lo largo de los años, la marimba ha abarcado un espacio importante en Centroamérica y Suramérica. Dada la importancia que este instrumento de percusión tiene para Latinoamérica, en febrero de 2015 fue declarada Patrimonio Cultural de las Américas por la Organización de los Estados Americanos (OEA).

Parque de la Marimba en México

Como habíamos mencionado anteriormente, en el sur de México, específicamente en los estados de Chiapas, Tabasco, Quintana Roo, Campeche y Yucatán, la marimba se escucha todos los días. De hecho, en Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, se encuentra “El Parque de la Marimba”, donde evidentemente las personas bailan al son de este instrumento musical.

Instrumento autóctono de Guatemala

En toda Guatemala, la marimba es considerada un instrumento autóctono. De hecho, en 1999 el Congreso de la República, la decretó como “Símbolo Patrio” de la nación. Vale la pena mencionar que, el decreto obliga al Ministerio de Educación a respaldar la enseñanza de este instrumento de percusión en las escuelas públicas y privadas de Guatemala. También hay que mencionar que, en este país, es común el uso de la marimba de doble teclado que se ejecuta por varios músicos a la vez.

La marimba de arco de Nicaragua

En Nicaragua, la marimba de arco es más común que la marimba moderna. Se trata de un instrumento diatónico, que en términos musicales, significa que no puede tocar todo el repertorio que tocan las marimbas más modernas pero sí una enorme cantidad de música. Es un instrumento musical que resalta en la música y bailes folclóricos de la región del Pacífico nicaragüense.

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Folklor auténtico de Costa Rica

En toda Costa Rica, la marimba es considerada “Símbolo Patrio”. Sin embargo, es en la provincia de Guanacaste, donde se encuentra la tradición más rica en cuanto a marimbas. En esta región se usa marimbas de todo tipo, es decir, de doble teclado, de bejuco, de bambú y calabaza; así como las de resonadores de lata y de plástico. Vale la pena destacar que, es el instrumento de percusión favorito en las fiestas y bailes populares de Guanacaste.

La marimba de chonta de Colombia

En Colombia, la marimba se elabora de forma artesanal, con 23 láminas de madera de chonta y 23 secciones de tubo de bambú, que le dan un sonido característico. Por lo tanto, en Colombia, específicamente en la costa del Pacífico, este instrumento es conocido como marimba de chonta. Este instrumento marca la pauta musical del famoso festival del currulao, la fiesta más destacada del litoral Pacífico colombiano, que se baila desde finales de la Colonia y se celebra en diciembre de cada año.

La marimba esmeraldeña de Ecuador

Más que un instrumento musical, la marimba esmeraldeña de Ecuador, representa todo un espectáculo de ritmo, color y sabor, que se unen en una sola danza. Por supuesto, este espectáculo tiene lugar en la provincia de Esmeraldas, donde la gran mayoría de la población es afrodescendiente. En esta región, se realiza el Festival Internacional de Marimbas en la época de carnaval, donde marimberos de varios países aprovechan para demostrar sus habilidades musicales. Para acompañar las danzas en Esmeraldas, además de ejecutar la marimba, los músicos interpretan el bombo; el guasa; el cununo y las maracas, todos estos, considerados instrumentos afro-esmeraldeños.

Sin lugar a dudas, la marimba es uno de los instrumentos más latinoamericanos de la región y uno de los que más se ejecutan actualmente.

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El 22 de noviembre de cada año se celebra el Día Internacional del Músico, una fecha que homenajea a todos los músicos del mundo. Esta festividad se celebra desde 1975 y el motivo de su fecha es que el 22 de noviembre se conmemora la muerte de Santa Cecilia, patrona de los músicos.

Fue una mujer cristiana que en el siglo XV fue retratada por artistas de la época, siempre tocando el arpa u otros instrumentos musicales. Desde entonces, se le ha vinculado siempre con la música. También suele afirmarse que, fue a partir del año 1695 en Edimburgo, cuando se comenzó a celebrar a los músicos el 22 de noviembre y así rendir honores a Santa Cecilia.

Con el pasar de los años, las celebraciones se extendieron por Alemania, España y Francia entre otros países europeos. Posteriormente, esta festividad llegó al continente americano siendo Brasil el primer país en celebrar el Día Internacional del Músico el 22 de noviembre, entre 1919 o 1920.

En Venezuela, este 22 de noviembre se celebra el Día Internacional del Músico con el récord Guinness de la orquesta más grande del mundo. Esto luego que el pasado 20 de noviembre, los integrantes del Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela fueran premiados por la organización Guinness World Record, tras ofrecer un concierto con más de 12 mil músicos.

El concierto de los 12 mil músicos

Con la intención de romper el récord Guinness como “La Orquesta Más Grande del Mundo” –récord que se logró- más de 12 mil músicos del Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela realizaron un espectacular concierto. Para la ocasión, 6 jóvenes directores musicales interpretaron diferentes piezas. La última pieza fue “La Marcha Eslava” del compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovsky, dirigida por Andrés David Ascanio Abreu.

Fue precisamente durante la interpretación de “La Marcha Eslava” que los más de 12 mil músicos fueron observados por 300 supervisores de la organización. Los requisitos para conseguir el premio, indicaban que cada integrante de la orquesta debía tocar su propio instrumento durante los 5 minutos mínimos que debía durar la pieza.

El concierto se llevó a cabo el 13 de noviembre del 2021 en el Patio de las Academias del Fuerte Tiuna, en Caracas, Venezuela. En total fueron 12 mil 098 músicos provenientes de varias partes del país caribeño, quienes se destacaron demostrando sus habilidades musicales.

La orquesta más grande del mundo

Muchos han sido los galardones, premios y reconocimientos que merecidamente ha recibido el Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela. Vale la pena destacar que, este sistema ha sido emulado en 70 países alrededor del mundo.

En esta oportunidad, el Sistema, logró superar el récord que ostentaba Rusia con 8 mil 97 músicos en un concierto en 2019. Gracias al legado del destacado maestro José Antonio Abreu, los integrantes del Sistema de Orquestas y Coros más grande de Venezuela obtuvieron el titulo Guinness World Records para “la orquesta más grande”.

El veredicto fue dado a conocer por la organización internacional, a través de una ceremonia trasmitida por las redes sociales. “Este intento ha sido exitoso. ¡Felicidades, al Sistema, por lograr el nuevo título Guinness World Records a la orquesta más grande”, indicó dicha organización.

Como era de esperarse, el director del Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, Eduardo Méndez, dedicó el triunfo al maestro José Antonio Abreu, fundador de esta institución musical. Además, Méndez manifestó su satisfacción por el premio obtenido, expresando que toda Venezuela debe sentirse orgullosa por los jóvenes que hoy agrupan El Sistema.

 “¡Esto es para ti, maestro! Así lo hicimos todos. Fue un homenaje. Se logró. Con disciplina se pudo ir planificando hasta ese día que fue una planificación musicalmente gigantesca. Un ejemplo para el mundo lo que se logró ahí y esto que se logró, es una hazaña no solo del Sistema, sino también del país”, comentó Méndez.

Músicos celebran con el emblemático tema de Queen

Luego conocerse el resultado del récord Guinness, los músicos de la Orquesta Simón Bolívar se apoderaron nuevamente de sus instrumentos musicales. Para celebrar el triunfo interpretaron el clásico tema “We Are The Champions” de la agrupación británica Queen.

La celebración culminó con la ejecución del tema “Venezuela” y la fotografía oficial con el certificado.

José Antonio Abreu

Por supuesto, al hablar de tan significativo reconocimiento, es necesario destacar la labor del reconocido maestro José Antonio Abreu. Como ya habíamos mencionado, Abreu, es el fundador del Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, institución creada a mediados de los años 70.

Este destacado músico e intelectual venezolano, proviene de la escuela de Santa Capilla, movimiento musical del también destacado Juan Emilio Sojo y otros talentosos músicos. Este movimiento impulsó la formación de extraordinarios compositores entre los que sobresale el Maestro Abreu.

También vale la pena resaltar que, el Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela obra cultural de Abreu ha alcanzado gran relevancia en todo el mundo. Se trata del programa de responsabilidad social de mayor impacto en la historia de Venezuela.

Datos curiosos del récord Guinness  en Venezuela

Además de ganar recientemente el récord Guinness como la orquesta más grande del mundo, Venezuela, cuenta otros premios reconocidos por esta organización. Entre ellos destaca el salto triple femenino bajo techo más largo, otorgado a la destacada atleta venezolana Yulimar Rojas.

También resaltan los récords de la arepa más grande del mundo, con un peso de casi 500 kilos; el imponente Salto Ángel, con la caída de agua más grande del mundo con 979 metros de altura y la Heladería Coromoto o de los mil sabores con el título de la heladería con más sabores del mundo.

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El 22 de noviembre de cada año, se conmemora el Día Internacional del Músico. Vale la pena destacar que, un músico es más que técnica y destreza para ejecutar instrumentos, un músico también es arte y creación.

Sea música clásica, rock, balada, salsa, merengue o cualquier otro estilo que nos guste, la melodía pasa primero por la mente de uno o varios músicos.

Orígenes del Día del Músico

Desde los tiempos remotos, la música ha estado presente en la humanidad. El intento del hombre prehistórico por imitar los sonidos de la naturaleza, lo llevó a realizar las primeras creaciones musicales, que venían acompañadas de ritos espirituales.

Con respecto a la fecha de esta celebración, se suele afirmar que un 22 de noviembre falleció Santa Cecilia, considerada la Patrona de los Músicos. Esta mujer cristiana fue retratada en el siglo XV por artistas de la época, siempre tocando el arpa u otros instrumentos musicales. Por esta razón, a Santa Cecilia se le relaciona con la música. El Papa Gregorio XIII, la declaró Patrona de los Músicos en 1584.

En 1695 en Edimburgo, se realizaron las primeras celebraciones a los músicos. Sin embargo, en años anteriores ya se habían organizado torneos de compositores en otros países. Poco a poco el festejo se extendió por naciones como Alemania, España y Francia. Posteriormente, el Día del Músico llegó a Latinoamérica, siendo Brasil el primer país de la región en celebrar a los músicos.

Algunos de los músicos más destacados de la historia son: Ludwig van Beethoven, Wolfgang Amadeus Mozart, Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, Frédéric Chopin y Piotr Ilich Chaikovski entre tantos otros.

Desde ehplustv.com, queremos extender nuestros deseos de éxitos y bendiciones a todos los músicos, muy en especial a quienes nos leen. Si eres músico, te invitamos a dejar tu comentario sobre cuál es tu instrumento favorito y qué es lo que más disfrutas de hacer música.

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